Kulitnya serbuk lavender-putih dan telinganya provokatif rouged, Virginie Avegno Gautreau, seorang penduduk Louisiana yang berkahwin dengan seorang bank Perancis yang makmur, mengabadikan masyarakat Paris. Orang ramai telah menceritakan banyak hal berkaitan cinta kasihnya di samping kecantikannya yang eksotik. Pada akhir 1882, bertekad untuk menangkap imej tersendiri Madame Gautreau, pelukis muda Amerika John Singer Sargent mengejarnya seperti pemburu trofi. Pada mulanya dia menentang pengimportnya untuk duduk untuk potret, tetapi pada awal tahun 1883, dia bersetuju. Pada tahun itu, di rumahnya di Paris dan di rumahnya di Brittany, Sargent melukis Gautreau dalam sesi-sesi yang akan dipotongnya. Dia mempunyai masa lapang yang secukupnya antara sittings yang telah diambilnya pada potret lain-yang ditugaskan oleh Daisy White, isteri seorang diplomat Amerika yang akan dihantar ke London. Sargent berharap dapat memaparkan dua gambar-Gautreau yang canggih dalam gaun petang hitam yang rendah dan putih yang lebih putih dengan warna putih yang berwarna-warni dan putih-pada 1883 di Paris Salon, pertunjukan seni yang paling berprestij di bandar. Sebaliknya, kerana penangguhan, lukisan selesai tidak akan dipamerkan sehingga tahun berikutnya, masing-masing, Paris Salon dan Royal Academy di London. Melihat mereka bersama-sama dengan Sargent yang dimaksudkan adalah salah satu kesenangan "Orang Amerika di Paris, 1860-1900, " kini di Muzium Seni Metropolitan di New York City (selepas berhenti di Galeri Nasional London dan Muzium Seni Halus, Boston) sehingga 28 Januari 2007.
Kandungan Terkait
- Penyulingan Fortune dari Samuel Morse
- Cerita Di Sebalik Puteri Bilik Peacock
- Mengagumi Masters
Kedua-dua potret itu seperti tempat penolakan yang menentang jalan-jalan yang boleh dipilih oleh Sargent. Gautreau mendengarkan kembali ke tuan Sepanyol, Velázquez, abad ke-17, yang berpotensi tinggi, potret panjang dalam palet terhad kulit hitam, kelabu dan coklat yang diilhamkan Édouard Manet dan banyak pelukis moden. The White mengimbas gambaran berwarna pastel oleh pelukis masyarakat Inggeris abad ke-18 seperti Sir Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough dan George Romney.
Dagu Gautreau dan daging serbuk, dengan tali gaunnya jatuh dari bahunya, menyebabkan skandal; kedua-dua pelukis dan pengasuh itu dikritik sebagai "menjijikkan" dan "mengerikan." Seorang pengkritik menulis bahawa potret itu "menyinggung keburukan yang tidak sombong dan menentang setiap peraturan seni." Di studio Sargent pada malam pembukaan Salon, ibu Gautreau mengadu kepada artis bahawa "semua Paris sedang merenung anak perempuan saya, dia hancur." Dia tegas menafikan rayuannya supaya gambar itu dibuang. Tetapi selepas pameran itu ditutup, dia mengecat tali yang jatuh, meletakkannya kembali ke tempat yang sepatutnya. Dia menyimpan lukisan itu dalam koleksi peribadinya, dan apabila akhirnya dia menjualnya ke Muzium Metropolitan pada tahun 1916, dia meminta agar ia dikenal pasti sebagai potret "Madame X." Ini adalah "perkara terbaik yang telah saya lakukan, " katanya pada masa itu.
Sambutan yang marah terhadap potret Gautreau membantu mendorong Sargent ke arah pantai yang lebih selamat dari potret masyarakat. Beliau lebih berminat dengan kesenangan berbanding menantunya. Itu mungkin apa yang ditulis oleh novelis Henry James ketika dia menulis kepada seorang teman pada tahun 1888 bahawa dia "selalu menganggap Sargent seorang pelukis yang hebat. Dia akan lebih besar jika dia mempunyai satu atau dua perkara yang dia tidak-tetapi dia akan melakukannya . "
Keterangan James tentang pengaruh Paris pada pelukis Amerika pada abad ke-19 juga masih berdering benar: "Kedengarannya seperti paradoks, tetapi itu adalah kebenaran yang sangat mudah, ketika saat ini kita mencari 'seni Amerika' di Paris, "tulisnya pada tahun 1887." Apabila kami menemuinya dari Paris, kami sekurang-kurangnya mendapati banyak Paris di dalamnya. "
City of Light bersinar seperti suar untuk ramai seniman Amerika, yang merasa lebih dihargai di sana daripada di negara mereka sendiri yang sibuk. Menjelang akhir 1880-an, dianggarkan bahawa satu daripada tujuh daripada 7, 000 orang Amerika yang tinggal di Paris adalah artis atau pelajar seni. Bagi wanita terutamanya, ibu negara Perancis menawarkan kebebasan yang memabukkan. "Mereka adalah orang Amerika, jadi mereka tidak terikat oleh konvensyen masyarakat Perancis, " kata Erica E. Hirshler dari Muzium Seni Halus Boston, salah satu daripada tiga kurator pameran itu. "Dan mereka tidak lagi di Amerika, jadi mereka juga melarikan diri sekatan itu."
Satu potret diri yang menarik oleh Ellen Day Hale, dicat sebelum dia kembali ke Boston asalnya, membuat titik itu. Dilihat dari bawah, kepalanya memiringkan sedikit, Hale adalah segalanya yang kecil - yang tidak dapat dipisahkan tetapi kereta dorong persepsi yang ketara melalui orang Paris yang disambut oleh penyair Charles Baudelaire sebagai tokoh modern yang bersifat arketik (yang mana dia, tentu saja, bermaksud "manusia"). "Ia adalah satu potret yang menakjubkan untuk seorang wanita pada tahun 1885 untuk menjadi tajam dan langsung dan bertekad, " kata Hirshler.
Di Amerika, hanya Philadelphia dan New York City boleh memberikan latihan seni yang ketat, berdasarkan pemerhatian model bogel, yang terdapat di ibu negara Perancis. "Pergi terus ke Paris, " pelukis Boston terkenal William Morris Hunt memberitahu pelajar seni berusia 17 tahun. "Apa yang anda pelajari di sini, anda mesti tidak tahu." Paris menawarkan tiga pilihan pendidikan yang bercita-cita tinggi. Paling terkenal (dan yang paling sukar untuk masuk) adalah École des Beaux-Arts, institusi kerajaan yang mulia yang memberi pengajaran tanpa tuisyen-di bawah pengawasan pencinta Salon seperti artis Jean-Léon Gérôme dan Alexandre Cabanel-kepada pelajar yang mengaku oleh peperiksaan yang sangat kompetitif. Sistem pendidikan akademik swasta selari membekalkan latihan setanding dengan bayaran. (Wanita yang dilarang dari École sehingga 1897, biasanya membayar dua kali apa yang dibebankan oleh lelaki.) Yang paling berjaya para usahawan seni lukis ini adalah Rodolphe Julian, yang Académie Julian menarik banyak pemohon yang akan membuka beberapa cabang di kota . Akhirnya, ruang guru yang kurang formal ditawarkan oleh pelukis yang memeriksa dan mengkritik kerja pelajar, dalam banyak kes untuk kepuasan murni untuk mentoring. (Pelajar menyediakan ruang dan model studio.)
Perasaan menjadi seorang pelajar seni pada masa itu amat meyakinkan dalam gambaran 1891 seperti permata Jefferson David Chalfant dari seorang atelier di Académie Julian (ms 81). Kelompok-kelompok lelaki di atas meja bergegas berkumpul di sekitar model-model telanjang, yang mengekalkan penampilan mereka di atas meja-meja papan yang berfungsi sebagai pedestal sementara. Sinar cahaya penapis cahaya matahari melalui skylight, lukisan pelajar yang menerangi dan lukisan di dinding. Kerudung asap rokok tergantung di udara yang kelihatannya pengap, yang lebih daripada satu abad kemudian, ia masih boleh menyebabkan batuk sukarela.
Di luar dewan akademi, bermula pada tahun 1860-an, para Impresionis Perancis telah mentakrifkan semula perkara subjek seni dan membangunkan teknik-teknik asal. Di bandar raya mereka, mereka merekodkan pelacur, peminum kesepian dan orang ramai yang terasing. Dalam landskap mereka, mereka menolak konvensyen teduhan hitam dan nada yang dimodulasi secara beransur-ansur memihak kepada memandang keras pada corak cahaya dan warna yang menyampaikan imej ke mata dan mengeluarkan semula dengan kepingan cat. Walaupun menggambarkan sesuatu yang biasa seperti jerami, Claude Monet memikirkan semula cara di mana kuas cat boleh memberikan pengalaman visual.
Mengambil kesempatan daripada kedekatan mereka, ramai artis muda Amerika di Paris mengembara ke pusat gerakan Impresionis, retret luar bandar Monet di barat laut bandar di Giverny. Pada tahun 1885, Sargent dan pelukis muda lain, Willard Metcalf, mungkin orang Amerika pertama yang melawat Monet di sana. Di The Ten Cent Breakfast, yang dicat oleh Metcalf dua tahun kemudian, dia membawa latihan Académie Julian untuk menanggung adegan sosial pelawat yang berkembang maju di Hotel Baudy, sebuah hangout Giverny kegemaran. Walau bagaimanapun, dalam persekitaran ini, Impresionisme ternyata mengagumkan: 1886 Poppy Field (Landscape at Giverny) berhutang banyak kepada gaya Impresionis Monet (dan perkara pokok). Menjelang musim panas tahun 1887, artis-artis Amerika yang lain, termasuk Theodore Robinson dan John Leslie Breck, sedang membuat ziarah.
Monet mengajarkan kebaikan adegan lukisan persekitaran asli. Dan walaupun Sargent tetap menjadi ekspatriat seumur hidup, banyak orang Amerika yang belajar di Perancis kembali ke Amerika Syarikat untuk mengembangkan merek Impresionisme mereka sendiri. Ada yang memulakan jajahan musim panas untuk artis-artis di Cob Cob dan Old Lyme, Connecticut; Gloucester, Massachusetts; dan East Hampton, New York-yang menyerupai menghantui lukisan pelukis Perancis Pont-Aven, Grez-sur-Loing dan Giverny. Seniman-seniman muda ini mirip dengan koki Amerika abad kemudian, yang, setelah mengetahui pentingnya menggunakan bahan-bahan segar, bermusim dari perintis Perancis masakan nouvelle, menu-menu yang telah menonjolkan panen di California, namun masih terasa tidak dapat diterima Perancis. Aroma Gallic melekat pada Robinson's Port Ben, Delaware dan Hudson Canal (1893) - dengan langit yang melumpuhkan awan dan landskap New York State yang rata membangkitkan dataran di utara Perancis serta juga pandangan Breck dari pinggiran Boston, Gray Day pada Charles (1894), dengan padnya lily dan bergegas mengingatkan Giverny.
Impresionisme bahawa orang Amerika dibawa pulang dari Perancis adalah hiasan dan dekorasi. Ia mengulangi teknik-teknik yang telah dirintis di Perancis dan menghindari kebenaran yang tidak menyenangkan tentang kehidupan bandar Amerika. "Apa yang tersendiri tentang Impresionisme Amerika, untuk lebih baik atau lebih teruk lagi, adalah terlambat, " kata H. Barbara Weinberg dari Metropolitan Museum, salah satu kurator penyelaras acara itu. "Impresisme Perancis dibentangkan kepada artis-artis ini yang terbentuk sepenuhnya sebagai sesuatu yang perlu dibangunkan dan disesuaikan. Mereka tidak ada di tepi ciptaan." Pergerakan itu muncul di Amerika sama seperti, dua dekad lama, ia kehilangan momentum di Perancis. "Menjelang tahun 1886, Renoir menolak usaha Impresionis yang agak konservatif, dan Seurat mencabar Impresionisme dengan Ahad Ahad di Pulau La Grande Jatte, " kata Weinberg. Tetapi di Amerika, 1886 adalah tanda air Impresionisme-tahun pameran mercu tanda yang diadakan di New York City oleh Paul Durand-Ruel, peniaga utama Perancis Impresionisme Perancis, memberi peluang kepada mereka yang tidak pernah Perancis untuk melihat apa semua kekecohan berlaku.
Bagi ramai pelawat, pameran pameran semasa akan menjadi pengenalan kepada beberapa artis yang reputasinya telah pudar. Salah satu daripada ini adalah Dennis Miller Bunker, yang seolah-olah ditakdirkan untuk perkara yang hebat sebelum kematiannya daripada meningitis pada tahun 1890 pada usia 29. Bunker telah belajar di bawah Gérôme di École des Beaux-Arts, tetapi dia mengembangkan bakat Impresionisnya hanya selepas meninggalkan Perancis, mungkin melalui persahabatannya dengan Sargent (kedua-duanya adalah kegemaran pengumpul Boston kaya Isabella Stewart Gardner) dan dari kebiasaan dengan banyak lukisan Monet yang dia lihat dalam koleksi awam sebaik dia menetap di Boston. Chrysanthemums beliau pada 1888 menggambarkan kelimpahan bunga pasu di rumah hijau di rumah musim panas Gardners. Dengan kerja berus yang berani dan terang berwarna, Chrysanthemums yang bertenaga adalah kerja perintis.
Walaupun ramai artis Amerika datang untuk melihat diri mereka sebagai Impresionis, hanya satu yang akan pernah mempamerkan diri dengan Impresionis Perancis itu sendiri. Mary Cassatt dalam banyak fenomena tunggal. Dilahirkan di Pittsburgh pada 1844, dia berpindah dengan keluarga mewahnya ke Eropah sebagai seorang kanak-kanak dan menghabiskan sebahagian besar hidupnya di Perancis. Memaparkan pastel Degas yang dia lihat pada usia 31 tahun dalam tingkap peniaga Paris mengubah wawasannya. "Saya pernah pergi dan meratakan hidung saya ke tingkap itu dan menyerap semua yang saya dapat dari seninya, " katanya kemudian. "Ia mengubah hidup saya, saya melihat seni ketika saya mahu melihatnya." Dia menyukai persahabatan dengan pelukis yang lebih tua, dan selepas Salon menolak kerja pada tahun 1877, dia mencadangkan agar dia menunjukkan dengan Impressionists sebaliknya. Pada pameran seterusnya, yang tidak diadakan sehingga 1879, beliau diwakili oleh 11 lukisan dan pastel. "Dia mempunyai bakat yang tidak terhingga, " kata Degas. Dia pergi menyertai tiga lagi pertunjukan mereka.
"Apabila Cassatt baik, dia mudah memegangnya dengan rakan-rakan Perancisnya, " kata Weinberg. "Dia bercakap Impresionisme dengan aksen yang berbeza, walaupun saya tidak tahu bahawa anda boleh mengatakan dengan aksen Amerika, kerana dia tidak berada di Amerika banyak selepas tahun 1875." Subjek Cassatt menyimpang dari tambang impresionis yang biasa. Sebagai seorang wanita, dia tidak dapat dengan bebas melawat bar dan kabaret bahawa Degas dan rakan-rakannya diabadikan. Keistimewaannya adalah adegan intim ibu dengan anak-anak mereka.
Namun, walaupun Cassatt, walaupun prestasinya yang hebat, lebih banyak pengikut daripada pemimpin. Hanya ada seorang pelukis Amerika yang asli di Paris: James Abbott McNeill Whistler. Lebih tua daripada kebanyakan artis lain dalam pameran ini dan, selepas zaman kanak-kanak di New England, seorang penduduk seumur hidup Eropah (terutamanya London dan Paris), beliau adalah seorang inovatif radikal. Tidak sampai Abjad Abstrak pada pertengahan abad ke-20 New York melakukan satu pertemuan artis Amerika lain dengan keperibadian dan kreativiti untuk membalikkan arah pengaruh antara benua. "Dia mendahului pek-di kalangan rakyat Amerika dan juga di kalangan Perancis, " kata Weinberg. "Apa yang dia lakukan adalah dari Realisme hingga Post-Impresionisme tanpa melalui Impresionisme." Pameran itu membuktikan betapa cepatnya transformasi itu-dari pantai laut realistik Brittany (1861), mengingatkan rakannya, Gustave Courbet; Symphony yang simbolik simbol dalam Putih, No 1: The White Girl (1862), sebuah lukisan wanita muda bermata luas (nyonyanya, Jo Hiffernan); dan pada akhirnya, pada kemunculannya, pada tahun 1865, gaya Post-Impresionis yang matang dalam lukisan seperti Laut dan Harmoni dalam Biru dan Perak: Trouville (tidak termasuk dalam versi New York pertunjukan), di mana ia membahagikan kanvas ke dalam jalur lebar warna dan menggunakan cat sebagai nipis, dia suka mengatakan, sebagai nafas pada anak kaca. Sejak itu, Whistler akan memikirkan perkara subjek semata-mata sebagai sesuatu yang perlu dilakukan secara harmoni, sebagai penggubah memainkan dengan tema muzik untuk menghasilkan perasaan atau kesan. Lukisan-lukisan murni Mark Rothko hanya terletak di cakrawala Whistler.
Walau bagaimanapun, memandangkan pameran ini jelas, sebahagian besar pelukis Amerika abad ke-19 di Paris adalah konformis, bukan penglihatan. Pengamal Impresionisme terkemuka Amerika ialah Childe Hassam, yang berkongsi kecantikan Whistler kecantikan tetapi bukan semangat avant-gardenya. Tiba di Paris pada tahun 1886 pada umur 27 tahun yang agak canggih, Hassam telah menjadi seorang pelukis mahir dan mendapati pelajarannya di Académie Julian untuk mematikan "karut." Dia memilih untuk melukis adegan jalan yang indah dalam gaya Impresionis. Kembali ke Amerika pada tahun 1889, dia memberikan layanan bibir kepada idea bahawa seorang artis harus mencatatkan kehidupan moden, namun cerah, tetapi New York City yang dia pilih untuk menggambarkan adalah seragam yang menarik, dan kawasan pedalaman, lebih-lebih lagi. Mengunjungi kawannya, penyair Celia Thaxter, di Kepulauan Shoals di New Hampshire, dia melukis satu siri gambar bunga terkenal di taman pemotongannya. Malah di tempat yang sangat indah ini, dia terpaksa menyunting sedikit tarikan pelancongan komersial.
Hassam dengan tegas menafikan bahawa dia telah dipengaruhi secara langsung oleh Monet dan Impresionis yang lain, yang membabitkan pelukis Sekolah Barbizon Perancis dan artis landskap Belanda, Johan Barthold Jongkind. Tetapi ketidaksejatannya terhadap Monet tidak jujur. Lukisan "bendera bendera" yang dirayakan oleh Hassam yang terkenal di Fifth Avenue yang dibungkus patriotik, yang bermula pada tahun 1916 selepas perarakan New York City untuk menyokong penyebab Sekutu dalam Perang Dunia I-menarik keturunan mereka dari Monet's The Rue Montorgeuil, Paris, Festival pada 30 Jun, 1878, yang dipamerkan di Paris pada 1889, sementara Hassam seorang pelajar di sana. Malangnya, sesuatu tersesat di dalam terjemahan. Keseronokan berulang dan tenaga terhad dari adegan Monet menjadi statik dalam rawatan Hassam: masih cantik, tetapi diawali.
Sesungguhnya pada masa lukisan bendera Hassam, kehidupan itu telah hilang dari Akademi Perancis dan Impresionisme Perancis. Memikat seperti biasa, Paris tetap menjadi ibukota seni Barat, tetapi seni telah berubah. Sekarang Paris adalah kota Picasso dan Matisse. Bagi generasi baru pelukis moden Amerika yang bertanding ke Paris, "akademik" adalah pejoratif. Mereka mungkin akan menemui potret kecantikan masyarakat dalam gaun rendah sedikit konvensional dan tidak sama sekali mengejutkan.
Arthur Lubow tinggal di Manhattan dan merupakan penulis yang menyumbang kepada subjek budaya ke Majalah New York Times .
